Les meves recomanacions en libres d'art

                                                           Georgina Sas

ABeCeDariTÀPIES

Xavier Barral i Altet

Editorial Base, 2009

Aquests darrers mesos, després de la mort del gran mestre Antoni Tàpies, molts hem estat els que hem revisat la seva obra i ens hem interessat pel seu univers. Jo sempre dic que Tàpies no se l’ha entès mai, però que el públic l’ha sabut respectar. La manca de coneixement de la seva obra hi ha contribuït però llibres com el del catedràtic d’Història de l’Art Xavier Barral i Altet ens hi ajuda, ens permet ordenar les seves idees a través d’una tria subjectiva però molt clara.

Per apartats (Art, Cartell, Herència, Vernís, Zen, Realitat...) ens va explicant la seva envergadura intel.lectual que tenia com a escriptura la pròpia pintura.

No és ben bé una novetat, es va publicar coincidint amb la celebració del seu 86è aniversari, però està de plena actualitat si volem entendre a Tàpies un poc més a partir de conceptes ordenats alfabèticament d’una manera afable, entenedora i seriosa. Un imprescindible d’aquest 2012.

UN OBJETO DE BELLEZA

Steve Martin

Editorial Random House Mondadori, 2012

L’histriònic actor de comèdia nordamericà Steve Martin li agrada molt l’art, de fet te una gran col.lecció privada amb obres de Edward Hopper, Francis Bacon, Picasso, Warhol, David Hockney, William De Kooning o Roy Lichtenstein, només per citar-ne uns quants. Un impressionant panorama artístic que primer tenia a casa seva i que després va decidir mostrar-les al públic a través de la Fine Art Gallery.

La seva amistat amb el crític d’art de la revista The New Yorker, Adam Gopnik, ha anat forjant a Steve Martin una més que interessant formació, que juntament amb la seva vessant d’escriptor l’ha dut a publicar una altra novel.la, i aquesta ambientada en el món de les galeries i les cases de subhastes de la ciutat dels gratacels.

MI VIDA, MARC CHAGALL

Acantilado, 2012

S’ha editat una edició revisada de “La meva vida” en motiu del 125è aniversari del cèlebre pintor Marc Chagall. Fins al 20 de maig el Museo Thyssen de Madrid va acollir la primera gran retrospectiva dedicada a l’artista rus a Espanya i on es van poder veure des de peces dels seus inicia a Rússia, l’estada a París i l’exili forçós als Estats Units.

Escrit a Moscou entre 1921-1922, quan Chagall tenia trenta-cinc anys, el llibre ens acosta a la personalitat d’un home que somiava en ser poeta i que va saber desenvolupar un estil pictòric molt personal, amb espiritualitat i color, vinculat a la seva pròpia vida i a les tradicions religioses i populars de la comunitat jueva russa però sobretot l’amor exultant.

WOMEN: PICASSO, BECKMANN, DE KOONING

Editorial Gerd Hatje Cantz, 2012

Malgrat els clixés associats amb Pablo Picasso, Max Beckmann i Willem de Kooning, la seva exploració del tema "dona" van molt més enllà de simples definicions i dels estereotips de la feminitat. La Pinacoteca d’Art Modern de Munich ha inaugurat aquesta primavera una exposició on historiadors de l'art, autors, sociòlegs i artistes aborden el tema des de diverses perspectives i mostren un total de 95 retrats on queden palesos el poder de l’art i la llibertat femenina.

AI WEIWEI. NEW YORK, 1983-1993

Editorial Distanz Publishing, 2012

Fa un any, l’artista xinès Ai Weiwei va ser detingut quan embarcava a un avió amb destinació a Pequín, el motiu: que la seva sortida podria posar en perill l’estat. Dut amb el cap cobert a un recinte militar, hi va estar retingut durant 81 dies, emmanillat a una cadira i sotmès a unes 50 sessions d'interrogatori.

Els problemes polítics d’Ai Weiwei són l'últim episodi d'una vida extraordinària: una figura de l’art conceptual, arquitecte, dissenyador, editor, cineasta i fotògraf. Precisament entre els anys 1983 a 1993 l’artista xinès va viure a Nova York i va capturar més de 10.000 fotografies en blanc i negre de la vida a la metròpoli nord-americana. Aquestes fotos, que ja s’han mostrat en exposició, ara es presenten en aquest magnífic llibre.

Suplement Bellver. Diario de Mallorca

Publicat 31/05/2012

Suspensió de la incredulitat

Article publicat a L'Espira, suplement de cultura del Diari de Balears, el 29/4/2012

Per Pau Waelder

Paradigm

Carles Congost

Galería Horrach Moyà, Palma de Mallorca

Fa uns anys, en una entrevista amb Bea Espejo, l'artista Carles Congost (Olot, Girona, 1970) afirmava que "és impossible aïllar una obra del context al que pertany". Al seu treball, hem pogut veure com ha aplicat aquest principi fins a les seves màximes conseqüències, creant una obra que no s'entén plenament si no es coneixen les referències de les quals es nodreix. El concepte greenbergià de l'obra que parla per si mateixa, que s'experimenta en total desconnexió amb el món que l'envolta, perd aquí tota la seva validesa, donat que, en paraules de Congost, l'obra en si és un "artefacte inútil" fins que no es posen en marxa els mecanismes que estableixen una comunicació amb l'entorn al que pertany. Al llarg de la darrera dècada, Carles Congost ha treballat amb el vídeo i la fotografia establint un estil molt personal, que paradoxalment no es basa en experiències viscudes sinó en una adolescència fictícia, creada pels clixés de les sèries de televisió, films i còmics provinents dels Estats Units. Una ficció que, no obstant, és compartida per tota una generació i assimilada com a part de la seva cultura:  els arquetips de la high school nord-americana, els nois musculosos que porten jaquetes de l'equip de futbol de l'institut, les noies que es barallen per ser la millor cheerleader, les festes, les germandats, la insuportable pressió d'una societat competitiva que troba la seva catarsi en la sanguinolenta massacre d'atletes i animadores en els films de terror juvenil… tots aquests elements, inexistents en la vida del jove català però presents en el seu imaginari, han estat re-elaborats i portats a la hipèrbole mitjançant un treball acurat i precís que, segons afirma l'artista, "reivindica la fantasia". 

Almas

                                                            Georgina Sas

Leí hace unos días que las obras de reforma de un local de la ciudad australiana de Melbourne acabaron con un grafitti de Banksy. El anónimo artista británico, que se ha ganado su lugar en el escenario del arte contemporáneo, pintó hace más de quince años una rata haciendo paracaidismo, y ahora unos albañiles han hecho un hueco para pasar unas tuberías sin tenerla en cuenta. La pintura, que no hacía más de un palmo, estaba valorada en más de 39.000 euros.

Bansky es un ejemplo arte urbano como cierta manifestación marginal, pero al mismo tiempo como copia de las estrategias de marketing de la comunicación de masas. Un arte poético y a la vez crítico, desarrollado gracias a la generosidad y la amplitud de las grandes ciudades, en Europa a partir del Mayo del 68.

Ahora Sath (pseudónimo de Sandro Thomàs Soler, Mallorca, 1983), nos propone ahondar en las almas en la Galería SKL a través de obra pictórica sobre lienzo, madera y pared, además de 3 collages de factura exquisita, donde confluyen una cierta clandestinidad intrínseca al arte urbano con el mercado del arte.

Bajo el epígrafe de Al+ (Almas) el joven mallorquín nos propone retratos con una gran fuerza expresiva, de personajes que buscan limpiar sus almas bajo gritos aterradores.  Unas imágenes donde Sath plasma sus obsesiones y sus pesadillas hechas de retales, de acumulación, de fragmentos, de miedos, de verdades.

La cuestión es saber si un grafitti puede sobrevivir encerrado en las cuatro paredes de una galería, porque ahí se sacraliza y se vuelve distante al espectador, el efecto contrario que ofrece a priori el arte urbano. La otra lectura es el deseo de dignificar estas obras y poder mostrarlas en estado puro.

Cualquier artista resulta más convincente cuanto más fascinadora es su obra y las obras que fascinan acostumbran a ser las que causan sorpresa, el mecanismo con el que reaccionamos ante la buena creatividad.

Crítica de Arte publicada en Diario de Mallorca (21/05/2012)

Sath

Al+

Galería SKL

Costa de la Santa Creu, 8 (Palma)

Hasta el 14 de Junio

Un pintor que pinta con pintura*

-Sobre la exposición de Yago Hortal en el Casal Solleric de Palma-

Gómezdelacuesta

Yago Hortal (Barcelona, 1983) es joven, es artista y es pintor. Sí, han oído bien, es pintor y es artista, y su arte es completamente actual, contemporáneo y valorado, y pinta muy bien, y mucho, y a todo color, sin complejos ni servidumbres, con pintura y a veces sobre un lienzo, un artista que es más moderno que muchos modernos y que crea como ahora crean muchos de los mejores, sin pudores malentendidos, metiendo las manos y las narices en todos los cajones, construyendo su propia creación, personal e intransferible, a partir de todo lo bueno que hicieron los otros, por que si algo es bueno hay que cogerlo, por que no hay que perder el tiempo rehaciendo lo que ya está hecho, por que hay que crear lo propio sin renunciar a lo de los demás, a las herencias positivas, reconociéndolas y agradeciendo a sus creadores todo aquello que nos dieron, pero sólo a los buenos de verdad, a los que aportaron y aportan, a los que gritaron, a los que rompieron, a los Uslé, a los Gordillo y a los Navarro Baldeweg, pero también a los Richter, a los Oehlen y a los Louis Morris.

Yago Hortal ha ido construyendo su propio mundo gracias  a todo lo que ha ido mamando, y a su intuición, y a su talento, y a una paleta rabiosa, salvaje y radical de colores sin medida, que ya está él para poner el temple, y el cálculo, y la composición, que ya está él para controlar el gesto. Una pintura tan flagrante, tan desinhibida, que en ocasiones busca ser escultura y adquiere volumen, y matices, y perspectiva; una pintura que acerca su lente a lo microscópico, a lo telescópico, a lo endógeno y a lo cotidiano, a la nueva visualidad que hemos logrado gracias a los nuevos medios, gracias a una tecnología que ha puesto al alcance de nuestro ojo cosas que, hasta hace poco, parecían invisibles: células y galaxias, tejidos y circuitos integrados.  Yago no da puntada sin hilo, no da brochazo sin acierto, no hay dripping sin sentido, si hay que pintar pintemos de verdad que pintar por pintar es tontería.

En el vórtice del lenguaje

Antonio González. "Crash"

Galería Louis 21, The Gallery

Carlos Jover

Una de las películas que mayor impacto me ha producido nunca ha sido "Crash", de David Cronenberg, que data de 1996. Basada en una novela homónima de J. G. Ballard, narra las peripecias de búsqueda sexual de una serie de personajes, finalmente enlazados en una suerte de secta fetichista que reproduce accidentes de tráfico de celebridades a fin de alcanzar el orgasmo. En ese viaje las suturas y los aditamentos ortopédicos se celebran como atributos de enorme erotismo, y la idea de una nueva belleza alejada de los moldes convencionales, y más cercana a los patrones de la postmodernidad, se perfila de una manera nítida. Se trata de una belleza intelectiva que participa del drama del tiempo y de la muerte, una belleza que poco tiene que ver con el concepto contemplativo oriental o con el perfeccionismo del sometimiento a patrones de nuestro clasicismo occidental. Lo irresistible, ahora, reside en el vértigo de la quiebra, en el dibujo que escribe sobre el cuerpo la pluma negra del azar, la morbosa seducción de los gestos perdidos en la transgresión de los burdos y aburridos dictados del destino. La belleza de la herida, la liturgia de una entrega en el límite de lo imposible.

La palabra "crash", en inglés, significa choque, estallido, quiebra. Ballard la utilizó en toda su literalidad, explorando los universos personales que se abrían tras un accidente de coches tomado como detonante sexual. La obra de Antonio González (Alicante, 1974) que compone la exposición "Crash" en Louis 21 "The Gallery" de Palma explora también ese otro lado del destino que se encuentra más allá de la gobernanza del orden, sólo que en su caso la incorporación del azar se realiza a través de un discurso seriado que paradójicamente tiene sus raíces bien hincadas en ese mundo del orden que es sometido a juicio sumarísimo. Porque sólo se entiende la quiebra en relación a lo que había antes de ella; sólo se percibe la belleza de una herida bajo la luz de memoria del cuerpo inmaculado, es cierto; pero lo que no se escapa al análisis es que en la repetición reiterativa del incidente todo accidente termina por adoptar un rasgo formal ordenado, algo así como la superación del azar por el esfuerzo obcecado del infinito ─algo así, diría el otro, como lo que urdieron los Pelayos para desbancar los casinos de todo el orbe. Y que incorporar el azar a un sistema del orden, más que conjurar al tiempo y a la muerte, lo que incita es a convocar a la extraña silueta matemática de la eternidad. Y la esencia del arte, como se sabe, es, incluso en el caso de arte efímero, justamente ésta.

Arquitectura serena

                                                            Georgina Sas

L’arquitecte Rafael Moneo ha estat guardonat amb el premi Príncep d’Astúries de les Arts 2012, dotat amb 50.000 euros i una escultura dissenyada per Joan Miró, precisament el nexe més important de l’arquitecte navarrès amb Mallorca.

Des de finals del segle XVIII fins al XIX, el museu es va anar consolidant com la nova institució pública més representativa de cada país i ciutat. Al segle XXI s’ha convertit en un lloc per l'afluència d'un públic actiu i s'ha intentat integrar en el consum en el sentit més ampli. La relació del museu amb la ciutat i la societat, en ser generador de grans espais urbans i pol d'atracció turística, ha contribuït a la total mutació tipològica d'aquesta institució, una transformació que va començar a gestar en els anys 70 i 80. Ara, una dècada després d’haver començat el mil.leni, i amb la conjuntura social i econòmica en la que estem immersos, ja és una altra cosa.

Ningú dubta que les noves arquitectures, la remodelació de les antigues o allò que els francesos anomenen els grands travaux són un pol d’atracció per a ciutadans i turistes que fan excursions urbanes i els agrada exercir de voyeur. Un bon exemple n’és la seu de la Fundació Pilar i Joan Miró als terrenys adjacents als estudis de Miró obra del recent guardonat amb el Premi Príncep d’Astúries de les Arts 2012, Rafael Moneo (Tudela, 1937).

L’any 1986 es va encarregar a l’arquitecte navarrès la nova seu de la Fundació, en un entorn degradat des de feia 30 anys i en els que els edificis adjacents havien anat absorbint l’entorn. Moneo va saber condicionar el seu disseny a aquestes premisses amb una construcció lineal composada per tres plantes, pòrtics, finestres baixes, reflexes d’aigua i llum, murs de formigó i alabastre, jardins fusió entre natura i art...

En definitiva, un edifici inaugurat el desembre de 1992 que possibilitava de nou la integració de l’art en l’arquitectura, en consonància amb els desitjos de Joan Miró.

Rastro en el paisaje

                                                            Georgina Sas

Por primera vez en Europa se presenta la obra de Siraj Saxena (Mhow, Madhya Pradesh, India, 1974) con más de 70 piezas repartidas en dos espacios distintos de la ciudad: la galería ABA ART y el refectorio del Hotel del Convent de la Missió.

Siraj Saxena nos ofrece obras en sintonía con la abstracción de distintos formatos y técnicas con el nexo del color, la forma y el dibujo. Los resultados son grandes extensiones monocromas que incluyen trazos erráticos que se van bifurcando. El efecto es impecable: el dibujo se vuelve cosmos y panorama, una invocación al paso del tiempo.

Si algo destaca de esta propuesta es el gran trabajo de intervención discreta, contenida y sutil de un mundo tan privado de donde proceden ciertos materiales y los elementos simbólicos con los que Siraj Saxena nos guía en su itinerario personal.

Un circuito de anotaciones líricas, partículas rítmicas perfectamente combinadas en una superposición de capas de pintura que también parecen cosidas. Luego la serie de exquisitos collages, mezcla de diferentes tejidos, costura y estampados. Históricamente, las tareas que han girado alrededor del hilo y la aguja han sido propias del universo femenino y se les ha dotado de un significado consistente en representar las virtudes de la mujer; entre ellas la paciencia, la humildad y la delicadeza. Sin embargo, no cabe olvidar algunos movimientos artísticos como Arts & Crafts, que implicó una dedicación exclusivamente masculina frente a calificación artesanal y casi solitaria de la labor femenina.

En la obra de Saxena el color juega un papel fundamental, su dinámica y lenguaje, su esfuerzo para conseguir un tono determinado, una transparencia más sutil, una textura especial, una veladura profunda, una mezcla óptica mejor…, y todo se une para presentar un recorrido por una dramaturgia enigmática. El camino para conseguir estos objetivos es potenciar el sentido del gesto y dominar con excepcional maestría los valores tonales y térmicos del color.

Siraj Saxena

Beyond words

Aba Art Contemporani / Hotel Convent de la Missió

Plaça de la Porta de Santa Catalina / Carrer de la Missió (Palma)

Hasta el 18 de junio